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来源：来自网络 2009-07-13 23:19:42
奥尔夫音乐教育法最突出的挑战性便是鼓励孩子们进行原初音乐和行为创作。当要求孩子们用这种形式创作音乐时，他们能对声音语言和身体表达有一个更深的理解。他们的创作发明富含自然性、幼稚气、奇怪性和兴奋性，当给孩子一个机会和权利去选择时，他们有一种真正的满足感。通过不断地探索、选择改善过程，孩子-艺术家便有权力去发掘、创作和进步。当然，他们必须从最简单的节奏、旋律、和谐和行为元素开始。
探索
孩子们学习音乐时进行模仿是很自然的现象，学生们也想自发地利用乐器（包括敲桌子）去探索声音和行为（利用可以获得的任何东西，如铅笔等，只要他们搬的动）（以失败他们的课堂老师）。有创作才能的老师可以将学生们的探索“兴趣”作为教学材料，认识到这些表达是学生们需要去表现和控制某些东西的标志。为了创作学生需要的正是这种“控制”行为。他们能有多少机会？许多音乐教育擅长利用模仿进行教授音乐，但是他们有多少人能有敌放失，允许学生们自己创作或即兴作曲？
最大的问题是我们生活在一个物质定向的社会中，引导许多教育者去相信，为使每一个“教学练习”更有意义，就必须在结束时有“最后表演”；使他们相信在基础音乐课堂中我们必须有最具体的目标和实物。但是这个过程是什么呢？中国哲学家老子说：“一个优秀的旅行者没有固定的计划，也不是为了到达目的地。”如果我们永远向前看，我们可能会错过近在咫尺的美景（或有价值的经历）！对我们的音乐学习者来说也是这样。我们不应该错过任何机会，甚至路边的野花。这并不是说所有的目标都要实现，但是我们应该让自己和学生们对音乐课上的东西和故事仍然有种意忧未尽的感觉，能够发现其中的奥秘和乐趣。
真正的奥尔夫音乐教学课堂上给予孩子们的自由便函是练习，因为我们面对的是基础音乐，其特点是开放的、自然的、简单的，音乐的简单元素可用来探索、改变和表演。这种教学风格对新手来说有点胆怯，但是我们有向导——古尼德·凯特曼，她是奥尔夫教育法的先锋。
我发现凯特曼的基础方法对指导基础音乐教学是非常有意义的。这篇文章主要描述了许多我们用来进行探索作曲和好兴创作的途径。从她书的第一页开始，凯特曼向孩子们推荐：1）共同创作；2）创作旋律；3）利用她称这为“节奏基础之石”在许多不同的形式上进行即兴创作。模仿是其中的一部分，但她一开始就警告：学生们要发展自己的音乐。这种创作过程并不只限于即兴创作——它是新素材的自发发展，但包含认真的训练、错误和尝试。
从探索到作曲
凯特曼建议在最初的模仿和探索中使用短的节奏模式——“节奏基础之石”，一些二拍节奏模式可用来选作创作过程的第一步简单素材。（本文中引用的例子是双倍节奏长的，但是，在凯特曼的文中还有三重或更复杂的节奏模式）例1所示就是所谓的基础之石。
这些基础节奏同模式语言联系在一起，以帮助学生们去自己掌握节奏，模式语言的处理可用来在学生们易接近的、非抽象的音乐形式中组织节奏。如果仔细选择语言，就能立即吸引孩子们的注意力和想象力。例2所示便是一些凯特曼的模式语言。
非常幸运这个方法是很容易开始和结束的！如果在创作过程的第一步中学生需要的仅仅包括基础节奏，那么我们可以自由选择、或让学生们选择，使语言和节奏相配，并且这些语言可以从我们学校或课堂所学题材、文章和故事中选择，随季节和时间不断变化更新。（在每年我同学生们都要一同回到这个起点，每交都使用新的语言。复习对老同学的要求很严格。）通过合奏表演练习节奏，并延伸到创作短的形式，尤其是利用身体敲击。例3所示为创造性练习（你们可以自己填词）。
凯特曼的下一个探索便是，用上述的例子改变动态选择，并且老师们可以请学生建议变化的方法。音乐可以被学生改变，因为它是简单和开放的。学生们也许决定要改变节奏或动态，或身体敲击、或他们表演的乐器。看来有多种变化形式。
现在学生们在基础之石上可以开始创作短的音乐篇章，这个过程对学生们来说非常有趣（对老师来说也很放松）。在这个过程中我经常愿意将学生分成小组。
他们的第一个任务便是从我人瓣目录中选择一个模式语言，一个小组边疆表演四次，包括身体敲击和运动，如果他们选择的话。在课堂上他们必须在没有任何语言交流的情况下开始表演；他们可以在小组中选出一个人，他点头、或呼吸、或笑，大家就开始表演，并且同时结束。在他们向全班同学表演之前可以有五分钟的商量时间。这种工作需要敏感性和练习基础，它有助于发展学生们共同合作的谐调能力，在没有老师的帮助下他们能同时开始和结束表演。
他们的下个任务是在已经创建的音乐基础上加入新的语言模式。这可能有许多种安排，如：
孩子们可以按他们的要求进行创作。最后，他们可能利用两或三个模式语言（没有教师的指导他们可以表演）创作一个16敲击模式。这些模式有时被转变为没有音符的乐器，有时转变为低音伴奏的旋律乐器。
这个工作需要时间，但是这是很关键的。这个作曲过程是兴为即兴创作做准备，是任何一个艺术家的最后目标。这就意味着我只花很少时间来教授已准备好的东西给学生，但这值得吗？
除了用模式语言和节奏基础材料创作短形式的音乐之外，也用于各种形式的伴奏，包括教师利用录音机进行即兴创作学生们能看到教师进行即兴创作将是非常重要的）。
例4（第18页）所示为一个学生用手鼓或小手鼓进行表演的节奏基础材料，中间伴奏的改变非常有意思。但是，如果用手鼓从头表演到尾就显得非常容易。当教师播放录音带时，其它学生也将走向音乐，也许同样可以创作一个行为曲子。
应该让学生们使用不同的节奏和乐器进行表演，可以是固定音节伴奏，也可以自由音节。
注意例5中不全是固定音节伴奏，其中在表演中间有多种形式的变化。
在例6中我们可以看到节奏能用着序曲也可用于终曲。
这些节奏元素最终可以各音符结合在一起，如例7。
任何简单节奏可以用so-mi作为旋律的基础模式，建议孩子们创作较熟悉节奏的旋律。孩子们可能用这些例子从基础开始，然后创作新的伴奏曲、序曲和终曲，也可以是能提高他们伴奏技术的新旋律。基础材料是非常重要且简单易懂的，学生们可以改编上面的例子，或自己创作曲子。创作和创作性作品的表演可能帮助孩子们更好地去控制简单节奏和基础旋律。通过探索，学生创作自己的的伴奏旋律和音乐形式，这正是创造音乐所需要的东西。通过仔细作曲练习和正确的自我评价，即兴创作的技术会得到发展。
即兴创作
通过作曲练习，基础即兴创作从这些简单的基础练习开始。凯特曼建议结合“自由”提问和回答问题的活动进行节奏模仿练习，附和敲击、提问和回答或同时进行。下面是我曾使用过的一个例子：
1“当我表演手鼓时忽然停止”。我表演一个16拍长（2/4拍）的模式然后停下来，孩子们僵在原位等我再次表演。这给他们一个对乐章长度和工作拍子的实体感觉。在进行行为即兴创作时，他们也有机会去体会许多变化和节奏结合。然后在再次重复表演之前我问：“现在你们能随行为打节拍吗？”
2“现在，我表演时你们用乐器演奏。”我再次表演了上述节拍，并停在16拍处，这个“开始和结束”持续表演了一段时间。（孩子们能够边动边演奏或坐着演奏。）在这个阶段学生们演奏节奏常常是个很好的起点！在我表演时，许多学生试图模仿我并改变他们的节奏，有时他们也做的很好。有时孩子们任意自由的敲打节拍，这表明他们需要更多的机会去进行自由探索表演。我可能要求他们“展示一下你们用手鼓表演的不同形式。”，最后我让他们找到适合自己的部分。为了鼓励他们认真听讲，我要求“你们能听见我和其它的表演吗？”
3“现在，我结束时你们开始演奏，当我再次开始时你们停下来。”我们现在有一个问题和回答，或问和答模式。我一直鼓励学生们要听而不要太大声演奏，这是非常重要的！可以听听学生们表演的方式，让全班学生来表演他们自己的模。我经常说：“谁能有控制地进行表演？”在即兴创作中节奏练习是旋律的前奏。
在这儿我不想太具体，只提一下凯特曼在基础教法中要求：
1从so-mi节奏开始（以la结合）。
2利用五音阶片断创作短的旋律。
3五音节表演要坚持一段时间。
如例8所示。
一旦学生们从基础表演了这个片断，他们便可以利用音阶-片断旋律风格创作自己的简单旋律。我自己向学生们推荐五音阶和双音节模式的目的是让他们利用音阶方式进行表演，也就是从第一个或第五个开始和结束。这和其它模式是一样的。这个规则的旋律也可以用低音或其它简单没有起落的乐器伴奏。
材料
凯特曼的基础教法和由凯特曼与奥尔夫合著的为了孩子们将是最好的教材，其中包含了基础音乐最真实、最美好的例子。用这些材料作为教课书，让学生们以此为基础选择新的伴奏方法、改变主旋律和创作新的乐章。
每个学生都是有着独特品质的完整个体，他们同样可以作为课堂上的教学材料。要鼓励学生们去发现和表达自己的思想和天赋。毕加索说过：“我不发展，我就是我自己。”，这句话引导20世纪的艺术家去理解他们自己的内在潜力、才华和正直。我们怎样才能让我们的学生去选择和发现他们自己的潜力和才华？当我们同这么多孩子一起工作时，要达到这个目的是很难的。奥尔夫的哲学和凯特曼的指引使这种工作成为可能，他们的教学遗产具有深刻的意义，当我们给孩子们机会去探索、创作和即兴创作时，凯特曼的教学方法在课堂上就发挥了作用。
注：
MaryHelenSolomon在杰克逊维儿、佛罗里达的RiversidePresbyterianDay学校教授1-6年级的音乐课，曾经在新泽西和美国举办过研究会。刀子也是罗彻斯特Eastman音乐学校的奥尔夫培训教师。也最近因教学出色获得了北佛罗里达大学的奖励。
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